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Classe de 3e1- SMN technologie

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Article mis en avant

Bouteille de Vieux-Marc, Picasso

Introduction

Pablo Picasso est un peintre, dessinateur, graveur, sculpteur et céramiste. C’est un artiste espagnol qui a beaucoup influencé l’art moderne. Pour beaucoup de personnes il est l’artiste le plus célèbre du XXème siècle. Il a réalisé le collage de La bouteille du Vieux Marc en 1913. Cette œuvre est intéressante parce qu’elle mêle au classique la modernité. comment les œuvres d’art se situent entre tradition et modernité ?

I Présentation

  • Contexte

La bouteille du Vieux Marc peint par Pablo Picasso en 1913 fait partie de la période du cubisme. A cette époque, le monde n’est pas encore en guerre. Cette composition appartient à la période du cubisme synthétique (1912- 1914) au cours de laquelle Picasso et Braque reviennent à une simplification des formes ainsi qu’à une référence explicite aux objets. Grâce à la page de journal qui y est collée, on peut la dater d’un séjour à Céret au printemps 1913.

 

  • Biographie

Pablo Picasso est né en 1881, en Espagne. Son père est professeur de dessin. Au cours de ses études à l’école de Beaux Arts de Barcelone, il montre un talent d’artiste. En 1904, il s’installe à Montmartre. Sa carrière de peintre et de sculpteur évoluera avec sa vie, ses rencontres, ses émotions.

De 1901 à 1904 (période bleue), ses peintures sont froides et tristes car son grand ami d’enfance se suicide. De 1905 à 1906 (période rose) il reprend goût à la vie et prend pour sujet les thèmes du cirque. Il fréquente le Louvre. Il rencontre Georges Braque (peintre, sculpteur, et graveur français)  avec qui il invente le cubisme en 1911. En 1937, un évènement tragique bouleverse sa carrière ; l’aviation  allemande bombarde la petite ville espagnole Guernica. En réaction, Picasso peint l’immense toile qui sera exposée un mois plus tard au pavillon républicain de Paris. On définit cette œuvre comme « un instrument de guerre » et lui a permis de se rapprocher du parti communiste dont il devient membre quelques semaines plus tard.

Tout au long de sa carrière, Picasso s’est également livré à la photographie, à la sculpture, à la gravure. Il a remis à l’honneur les dessins d’enfants. Il meurt le 8 avril 1973.

Son parcours artistique est l’un des plus riches de l’Histoire de l’art du XX siècle.

 

II/ Description

  • Description détaillée

Cette œuvre représente une scène ordinaire du quotidien de la nature morte : une table, un verre, une carafe et un journal. C’est une nature morte, il n’y a donc aucune présence humaine. Les objets ne sont pas vraiment reconnaissables et leur identification nécessite un décryptage. L’œuvre crée une énigme pour reconstruire l’image.

-la carafe : à la fois verticalité et rondeur. Elle est représentée par des lignes droites et des lignes courbes en haut du tableau. La rondeur est redite par l’étiquette qui semble s’être détachée de l’objet. On la remarque par le mot « VIEUX MARC ».

-le bouchon de la carafe est représentée vu du dessus en haut de la composition. La table est disloquée par une ligne courbe discontinue et tracée de façon appuyée.

-le papier collé, avec un motif, fait office de nappe ou de toile cirée que l’on pose sur une table pour la protéger.

-le deuxième papier collé, celui situé le plus en bas représente le bord de la table visible par un jeune enfant. Un vrai journal est représenté pour montrer la vie réelle d’une personne.

 

  • Composition de l’œuvre

-mots et image : le brouillage de la lisibilité de l’image par la déconstruction des objets est compensé par l’intégration de mots qui éclairent le flou.

-forme et fond : le fond est le support lui-même. La forme des objets est variée : triangles, rectangles, demi-cercles. Le réseau de lignes en arrière plan donne aux éléments de la composition une légère visibilité.

-les couleurs, les lignes : la couleur crée un effet  de décoration. Sans les deux morceaux de papiers collés, il n’y aurait aucune couleur. Les couleurs dominantes sont l’ocre, le blanc et le noir. Ce qui évoque la peinture classique. C’est une œuvre essentiellement graphique qui rassemble le moderne (papier collé, peu de couleurs, formes floues) et la tradition (nature morte).

-la lumière : il y a ambiguïté à ce sujet car les zones grisées n’ont pas pour objectif de représenter l’ombre, comme dans la tradition, mais ont pour fonction de décoller les formes du fond pour éviter l’effet de surface plane.

-espace et temps : l’œuvre nécessite attention, temps et réflexion. L’image ne renvoie pas une perception évidente. Il faut créer une histoire pour comprendre la composition. Il y a des actions dessinées de haut en bas : on pose la bouteille, enlève le bouchon et on jette un coup d’œil sur l’étiquette.

-technique : fusain (sorte de charbon pour dessiner), papiers collés ou épinglés. Il s’agit de la première tentative d’introduction d’éléments du réel dans une œuvre en deux dimensions. Le fusain suggère le contour de la table, le goulot et le corps de la bouteille, le profil du verre ainsi que les morceaux de papiers. Cela nous nous guide dans l’interprétation. Par exemple, le morceau de papier peint, identique à celui qui recouvre la table, attire l’attention sur la transparence du verre. Les papiers collés font un retour au réel, cela prolonge le questionnement de Picasso sur la perception de sa propre œuvre : la réalité ou l’abstrait ?

 

III Interprétation à travers le cubisme.

  • Les origines du cubisme

Le cubisme est un mouvement d’avant-garde du XX siècle, qui a révolutionné la représentation par la géométrisation.

Pablo Picasso est à l’origine du cubisme. Il réalisera en 1907, l’œuvre Les demoiselles d’Avignon, qui représente des femmes entièrement nues d’une manière particulière, les corps de ces femmes étant massifs et géométriques. Le peintre recherche du volume. Ses figures sont comme des sculptures. Le cubisme s’inspire des œuvres du XIXème siècle, il s’inspire plus particulièrement du naturalisme de cette époque (mouvement littéraire et artistique qui s’intéresse aux questions sociales et politiques de son époque). C’est Louis Vauxcelles (critique d’art) qui suite à sa visite à la galerie Kahneweilleur, emploiera le mot « cube » dans un de ses articles.

 

  • Caractéristiques

L’utilisation des formes géométriques et la représentation de touts les côtés d’un objet marque une rupture avec la perspective (la profondeur). Les artistes cubistes fragmentent les objets et les personnages dans leurs œuvres. Un objet peut être vu de plusieurs points de vue dans l’œuvre. Les cubistes utilisent des objets de la vie quotidienne comme : des bouteilles, de la vaisselle ou encore des fruits ; avant de s’intéresser aux instruments de musique. Ils abandonnent peu à peu les paysages pour les natures mortes. Ce mouvement d’avant-garde se divise en trois périodes :

  • 1907 – 1909 : précubisme ou cubisme cézanien
  • 1909 – 1912 : cubisme analytique
  • 1912 – 1914 : cubisme synthétique

Ses deux principaux représentants sont : Pablo Picasso et Georges Braque.

Le cubisme cézanien : cette période marque le début des premières formes géométriques.

Le cubisme analytique : cette période utilise beaucoup plus de formes géométriques. Les couleurs employées sont moins nombreuses.

Le cubisme synthétique : cette dernière phase est comme un aboutissement du cubisme. Les papiers collés sont de plus en plus utilisés.

 

  • Le cubisme et la tradition

La tradition désigne la transmission sans interruption d’un contenu à travers l’histoire depuis un événement fondateur.

Le cubisme est une tradition car celle-ci représente une nature morte. Les premières natures mortes datent de l’époque hellénistique et depuis ce jour elles sont transmises d’époques en époques (Moyen-âge, du XVIIème au XXème siècle).

L’utilisation du fusain entre aussi dans la tradition car celui-ci est utilisé depuis la renaissance.

 

  • Le cubisme et la modernité

La modernité est ce qui témoigne des transformations, des évolutions de l’époque présente.

Le cubisme est une modernité car il s’agit de la première introduction d’éléments du réel dans une œuvre en deux dimensions. Il intègre des éléments comme des papiers collés. Le peu de couleurs différencie cette œuvre des plus anciennes qui présentaient une palette plus riche.

 

  • Œuvres comparables à celle-ci

Le cubisme est une période artistique qui va durer 7 ans de 1907 à 1914, même si quelques artistes continueront à exploiter le cubisme après 1914. Beaucoup de peintres vont utiliser cette technique comme en 1913 Aria de Bach de Georges Braque ou encore en 1920 The Open Window de Juan Gris.

Aria de Bach : est une œuvre de Georges Braque un des pères du cubisme. Cette œuvre est une nature morte, on aperçoit une guitare avec à l’arrière une cheminée et ainsi un petit livre intitulé « Aria de Bach » qui se situe à l’avant de la guitare. Cette œuvre entre dans la 3ème période soit le cubisme synthétique (1913-1914). Cette composition à été faite à l’aide de fusain, papier faux bois papier noir collé sur papier, elle fait 62x46cm, et elle se situe maintenant à la  National Gallery of Art, Washington.

The Open Window : une œuvre de Juan Gris, exposée au Queen Sofia Museum à Madrid. Cette composition est une nature morte qui représente une fenêtre ouverte d’où le titre, devant cette fenêtre se trouve une table avec posé dessus une guitare, une partition, une carafe accompagnée d’un verre, on voit aussi un journal. On aperçoit une mer à travers la fenêtre et aussi on montagne a l’arrière de cette mer. C’est une huile sur toile, qui fait 65x100cm.

 

Conclusion

Cette composition appartient à la période du cubisme synthétique (1912- 1914) au cours de laquelle Picasso et Braque reviennent à une simplification des formes ainsi qu’à une référence explicite aux objets. Ils partent d’une base classique, c’est-à-dire simple et y ajoute des éléments modernes. Dans cette œuvre, la base de Pablo Picasso est une simple carafe à laquelle il y ajoute de légers détails comme une étiquette ou un papier collé désignant un journal. La tradition de nature morte est respectée et le moderne y est incorporé. Cette œuvre est une énigme parce que le cubisme en est l’influence. Pablo Picasso veut faire comprendre que les œuvres de bases, de tradition peuvent être renouvelées en y ajoutant des détails de l’époque.

Freedom Tower

Introduction:

La Freedom Tower est un sujet qui est concerné par l’actualité car notre société actuelle est menacée par de nombreux attentats tels que les attentats de Paris, de Bruxelles, de Turquie…

Problématique: Quelle est le symbolisme du monument? Pourquoi Freedom Tower?

Plan:

Présentation générale

Description

Interprétation

 

I- Présentation générale:

Ce monument a été érigé treize ans après les attentats du 11 septembre 2001 à New-York. Il est officiellement appelé One World Trade Center mais la tour est surnommée Freedom Tower (en français : la tour de la liberté) par les habitants de la ville.
Elle été construite d’avril 2006 à mai 2013 dans le World Trade Center à Manhattan aux Etats-Unis, à l’emplacement des Tours Jumelles. La Freedom Tower est constituée d’une façade en verre. Elle mesure en comptant l’antenne 541m soit 1776 pieds, date de l’indépendance des Etats Unis. La tour domine à 14,2 mètres de plus que les anciennes Tours Jumelles. La première pierre du One World Trade Center fut symboliquement placée le 4 juillet 2004.

Les architectes sont David Childs et Daniel Libeskind.
David Childs est né en 1941 à Princetown, dans le New Jersey. Il est Consulting Design Partner dans le cabinet d’architecte Skidmore, Owings and Merrill. C’est un architecte américain.

Daniel Libeskind est né en 1946 à Lodz en Pologne. Il a été naturalisé en 1965. C’est un architecte américain.

Le 11 septembre 2001 de 8h56 à 10h28, deux avions ont percuté les Tours Jumelles à Manhattan. Quelques instants plus tôt, le groupe terroriste dirigé par Ben Laden, avait pris le contrôle de quatre avions, deux sont projetés sur le World Trade Center, un sur le Pentagone à Washington et le quatrième s’écrase à la campagne car les passagers ont réussit à prendre le contrôle de l’avion afin d’éviter une autre catastrophe. Ces attentats sont les plus meurtriers jamais perpétrés depuis le début de l’Histoire. A cause de l’incendie et de l’effondrement des deux tours, 2973 personnes ont trouvé la mort et 6291 ont été blessées.

II- Description:

La tour ne se situe pas à l’exacte emplacement des ancienne Twins Towers. A cette endroit se situe le Mémorial du 11 septembre.
En bas de la tour, nous pouvons voir un piédestal de 61 mètres en béton armé et en métal. La facade est en verre et en acier, elle est composée de triangles qui s’emboitent et nous pouvons voir une poutre d’acier verticale au centre de 387 mètre de haut.
Il y a 104 étages dans lesquels ont peut trouver des restaurants, des observatoires, des bureaux (240.000 mètres carré) ou des laboratoires.
Le plan final du One World Trade Center est composé d’une symétrie simple, avec un profil traditionnel, pour rester dans le profil architecturale de new-York. La flèche de la tour s’inspire de celles de l’Empire State Building et du Chrysler Building.
On peut supposer que la flèche ressemble au flambeau de la Statue de la Liberté.

III- Interprétation:

Au départ, le One World Trade Center est construit pour que les habitants de la ville de New-York, ne vive pas dans le passé, ne repense pas à tous ces morts. La tour doit montrer qu’il faut aller de l’avant, et non en arrière. Mais il n’a pas le moins du monde un aspect commémoratif, le seul lieu dédié à cela est le Mémorial du 11 septembre. Pourtant en faisant signer la poutre métallique centrale par les ouvriers et la famille, et en permettant que la One World Trade Center se fasse appeler Freedom Tower, cette tour est devenue un symbole nationale qui rallie les américains contre le terrorisme.
Cette a trois aspect symbolique, elle est le symbole de la détermination des new-yorkais (les habitants reconstruisent ce qui a été détruit même dix ans après le drame), le symbole de la liberté (ils ne se laisseront pas vaincre), et un symbole de fierté (la tour la plus haute de l’hémisphère nord).

Conclusion:

Ce monument est à la fois très beau symboliquement car il commémore les mort et montre aux terroristes que nous pouvons nous relever malgré leurs attaques mortelles, mais aussi très beau physiquement car c’est un bâtiment très simple, avec une façade faite que de verre. Le fait qu’il soit le troisième gratte-ciel le plus haut de monde le rend encore plus imposant et montre aux terroriste que nous sommes plus grands et plus fort que lui, que nous pouvons les battre.

Sources:

-™Site officiel de New-York: http://www.newyorkcity.fr/freedom-tower-one-world-trade-center-new-york/

-™Site officiel du World Trade Center: http://www.wtc.com/about/buildings/1-world-trade-center

-™Google image

™-Dictionnaire Robert

 

Les joueurs de skat, Otto DIX

Matière : Histoire-Géographie

Thématique : arts, espace, temps

Domaines : arts du visuel (peinture)

Problématique : Comment Otto Dix témoigne-t-il de l’horreur de la 1ère Guerre Mondiale ?

  1. Présentation générale de l’eouvre

Un des sujets sur lequel je travaille est sur l’horreur de la guerre à travers une oeuvre. Ce tableau a été peint en 1920.  Il s’agit d’une huile sur toile  et de collages dont les dimensions sont 110 x 87 .Elle est aujourd’hui exposée à la nouvelle galerie de Berlin, en Allemagne.Avant de parler du tableau, je vais tout d’abord parler de l’artiste qui l’a peint : Otto Dix. Peintre allemand du XXe siècle né en 1891 et mort en 1969, il participa à la première guerre mondiale, qui l’a marqué à vie : il s’exprime à travers ses peintures et cherche à faire passer un message aux observateurs de son tableau.Il est qualifié de peintre expressionniste mais on parle souvent aussi de lui comme faisant parti de la nouvelle objectivité, un autre courant.

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Les joueurs de skat, (1920) Otto Dix, exposé à la Neue Nationalgalerie de Berlin en Allemagne

2. Description détaillée

Cette œuvre représente trois gueules cassés jouant aux cartes, scène plutôt banale caractérisant ce retour brutal à la réalité après une guerre marquant les soldats mais aussi les populations à vie Ce tableau est comparable à de nombreux tableaux dénonçant la guerre, son atrocité ainsi que son tableau : un tableau très connu comme Guernica, de Picasso mais il est comparable à de nombreux autres tableaux trop longs à énoncer.

 

3.Interprétation

Ce tableau est une dénonciation de la guerre, de son atrocité, de l’horreur des combats : ces hommes ayant des marques ineffaçables physiques mais aussi psychologiques  qui doivent  vivre avec ou plutôt survivre. . Ces hommes sont déformés mais avec une exagération évidente : le peintre veut choquer les esprits pour leur faire comprendre quelque chose et pour cela, ils utilisent ces traits durs, ces visages atroces, effrayants.

De nombreux sites et livres apportent des informations importantes sur ce tableau mais aussi sur le peintre comme au CDI où de nombreux livres sont à notre disposition.

J’espère que mon article a pu vous aider ou vous éclairer.

 

Mes sources :

des livres empruntés au CDI que j’ai rendu et dont je ne connais pas ls références

le texte d’histoire des arts

Composition VII de Kandinsky

Introduction

Présentation de la Composition VII de Kandinsky

Problématique : L’art représente-t-il toujours le beau ?

Le peintre 

Sa vie : Vassily Kandinsky est un peintre. Ses nationalités sont russes, allemande et française. C’est l’un des fondateurs de l’art abstrait. Il est né à Moscou en 1866 et mort à Neuilly-sur-Seine en 1944. Il est l’un des artistes les plus importants du XXe siècle. Il a créé la première œuvre non figurative de l’art moderne, c’est-à-dire qui ne représente pas le réel. Kandinsky grandit à Odessa et rentre à Moscou après la révolution russe. Il s’inscrit à l’université de Moscou et choisit le droit et l’économie. En 1896, il part étudier la peinture à l’Académie de Munich. Kandinsky fait la rencontre d’un peintre qui se nomme Franz Marc, avec qui il crée le mouvement du Cavalier bleu. Il se marie en 1917 puis il s’installe définitivement à Paris. Il meurt à Neuilly-sur-Seine en 1944.

Présentation détaillée de l’œuvre :

Composition VII est une peinture à l’huile sur toile, peinte en novembre 1913, à Munich. Elle est unanimement considérée comme l’œuvre maîtresse de l’artiste, pour la période d’avant la Première Guerre mondiale. Le tableau est conservé à la galerie Tretiakov de Moscou, en Russie. L’œuvre « Composition VII » fait partie de sa série « Composition », pour la plupart réalisée entre 1910 à 1914, étant considérée comme œuvre majeure pour l’artiste. Caractérisée par l’interpénétration des formes et des lignes, se dégage une musicalité. En effet, Kandinsky tend à lier sa peinture à la musique (sa vocation première) dodécaphonique. Il réalise des équivalences entre les lignes, fonds, couleurs et musique. L’œuvre est composée d’un système de lignes dynamiques, droites ou ondulées, de cercles… grâce auxquels on peut ressentir un mouvement, qui semble perpétuel, comparable à la musique. Les passages d’une couleur à une autre plus ou moins nets et précis créent des espaces plus ou moins flous, et donc différents plans/profondeurs. L’artiste peint par taches irrégulières, indécises se recouvrant partiellement. Le bleu symbolise la virilité, le rouge la passion, le jaune la douceur.

Composition VII

Ci-dessus : La Composition VII

Pour quelques informations supplémentaires cliquez ici

Frank Gehry, un architecte hors du commun

J’avais tout d’abord le projet d’écrire un article sur la Fondation Louis Vuitton, un de mes sujets d’Histoire des Arts. Mais avoir parcouru l’article très riche d’Emilie, je me suis dit qu’il ne serait pas utile d’écrire quelque chose sur le même sujet. Néanmoins, considérant ce monument comme un chef d’oeuvre, je vais vous présenter son architecte.

I Biographie

Frank Gehry naît en 1929 à Toronto, Canada. Il s’installe avec sa famille à Los Angeles en 1947. En 1954, il obtient le diplôme d’architecture de la University of Southern California. Il étudie par la suite l’urbanisme à la Graduate School of Design de Harvard. Après ces études brillantes, il part en 1961 pour Paris où il travaille dans le cabinet d’André Rémondet (grand architecte français). De retour en Californie l’année suivante, il ouvre sa propre agence à Santa Monica.

II Un architecte innovant

Depuis la moitié des années 70, Frank Gehry réalise des projets d’architecture un peu partout dans le monde. Quelques unes de ses oeuvres : le Musée Guggenheim (Bilbao, 1997) ; le Walt Disney Concert Hall (Los Angeles, 2003) ; New York Tower by Gehry (New York, 2011) ; Pavillon Jay Pritzker (Chicago, 2004) ; sa propre maison (Santa Monica, 1962). Tous ces bâtiments sont de réelles attractions touristiques internationales.

Pour ses créations, Frank Gehry relève toujours des défis nouveaux : il réussit, avec génie, à mettre des matériaux en valeur, à faire tenir des édifices considérés comme inconstructibles, et crée même parfois de nouvelles techniques architecturales (comme pour la Fondation Louis Vuitton). Il sait manipuler des matériaux pauvres aussi bien que d’autres précieux, et adapter tous les monuments qu’il dessine à l’environnement qui les entoure.

Ses oeuvres sont toutes très modernes, légères, audacieuses, élancées et, surtout, toutes plus surprenantes les unes que les autres.

III Le regard de ses contemporains

C’est un architecte très admiré : considéré par le magazine Vanity Fair comme l’« architecte le plus important de notre époque ». Il reçoit en 1989 le prestigieux Prix Pritzker d’Architecture. L’architecture moderne a été et peut être parfois très contesté. Mais Frank Gehry a su se faire accepter, en réussissant à intégrer ses bâtiments au paysage, et en apportant de nouvelles choses à l’architecture.

SOURCES

Magazine « Connaissance des Arts »

Site de la Fondation Louis Vuitton : http://www.fondationlouisvuitton.fr/content/flvinternet/fr/l-edifice.html

Seurat, un génie du pointillisme

Port en Bessin, avant-port, marée haute

seurat

PROBLEMATIQUE : Jeux de couleurs complémentaires ou comment la physique trompe nos yeux ?

C’est est une œuvre peinte par Seurat en 1888. Il représente un paysage de mer. C’est une huile sur toile de dimensions moyennes : 67cmx 82cm. Il est conservé au musée d’Orsay à Paris.

Seurat avait pour habitude de se rendre chaque été sur le littoral en Normandie afin de peindre des paysages. Il prétendait « se laver l’œil des jours d’atelier et traduire le plus exactement la vive clarté », comme le rapporte le poète Emile Verhaeren.

On peut voir une vue de Port-en Bessin avec la Manche qui a été peinte lorsque Seurat se rendait dans cette même ville. Lire la suite

Thanksgiving

 

Problématiques :

  • Comment la fête de Thanksgiving a-t-elle évoluée au cours du temps ?
  • Quels messages les artistes veulent-ils faire passer à travers leurs représentations de la fête de Thanksgiving ?

I. Présentation des œuvres

a) Qu’est ce que Thanksgiving ?

  • En 1621, une centaine de protestants anglais fuient leur pays et arrivent par le Mayflower dans la baie de Plymouth, dans le Massachusetts. N’étant pas habitués à ces conditions de vie, la moitié périrent de maladies ou de faim. La tribu aborigène qui se trouvait là apprit aux colons à cultiver du maïs, pêcher et chasser. Pour les remercier, les colons offrirent un repas aux Indiens.
  • Aujourd’hui, Thanksgiving est une fête d’action de grâce célébrée aux Etats-Unis le quatrième jeudi de novembre.

 

b) Les deux œuvres

The First Thanksgiving, 1915, Jean Leon Gerome Ferris, Huile sur toile, Collection privée

Freedom from Want, 1943, Norman Rockwell, Huile sur toile, 116 X 90 cm, Norman Rockwell Museum, Stockbridge, Massachussets, Etats-Unis. Cette œuvre fait partie d’une série de quatre tableaux, The Four Freedoms

 

c) Les artistes

Jean Leon Gerome Ferris (1863-1930) : peintre américain, connu pour sa série de 78 tableaux consacrés à l’histoire américaine.

Norman Rockwell (1894-1978) : peintre figuratif américain, illustrateur dans le journal Saturday Evening Post

 

II. Description détaillée

a) Composition

Sur le premier tableau, les Indiens à genoux et quelques colons sont au premier plan. On voit d’autres Indiens et des colons entourés d’une maison et de végétation au second plan et la mer est au dernier plan. Sur le second, la table avec les convives est au premier plan, deux personnages sont debout au second plan et le dernier plan est le mur d’une maison avec une fenêtre et des rideaux.

L’effet de perspective que l’on peut observer sur les deux tableaux met dans les deux cas la nourriture en valeur (le plat et la dinde).

Le premier tableau est composé de couleurs chaudes, ce qui met en valeur l’aspect chatoyant du tableau alors que le second comporte plus de couleurs froides, ce qui rend l’action plus solennelle.

Dans les deux cas, la scène est vue selon un plan d’ensemble et le cadrage s’effectue de face. Le spectateur peut ainsi bien distinguer toute la scène.

 

b) Personnages

Sur le premier tableau, les personnages sont habillés à la mode du XVIIIème siècle (fraise, robes longue, bas). Pour symboliser la réunion des deux peuples, on observe deux femmes, une Européenne et une Indienne, qui se tiennent le bras dans la partie droite du tableau. Les personnages ont l’air heureux mais leur sourire n’est pas aussi radieux que dans la seconde œuvre.

Sur le second tableau, les personnages rassemblés autour de la table sont tous souriants, heureux d’être rassemblés en famille pour la fête de Thanksgiving. Deux personnages se détachent des autres : ils se tiennent debout et font face au spectateur. On pense à un couple de grands-parents qui reçoit les membres de leur famille pour cette occasion (toutes les générations sont présentes). Un personnage semble adresser un clin d’œil au spectateur.

c) Décors

Dans le premier tableau, la scène se déroule à l’extérieur (végétation) alors que le second se déroule à l’intérieur d’une maison américaine du XXème siècle.

Sur le premier tableau, on observe une maison à gauche, sans doute construite par les colons. La mer représentée au fond du tableau rappelle d’où viennent les colons. La table à gauche est en bois : elle a certainement été construite par les colons eux-mêmes pour l’arrivée des Indiens. L’arrière-plan du second tableau est très différent : le mur du fond est décoré d’un cadre, de rideaux et de boiseries. La source de lumière du tableau vient de la fenêtre du fond.

 

d) Nourriture

Sur les 2 tableaux, la nourriture est placée au centre de l’œuvre et en est le point de fuite, ce qui montre son importance dans la célébration de Thanksgiving.

Sur le premier tableau, il s’agit surement de galettes faites avec le blé des récoltes des Européens.

Sur le second tableau, la taille de la dinde montre bien son importance dans la célébration de Thanksgiving. On voit aussi une corbeille de fruits à l’avant du tableau, des légumes et une soupière en argent.

 

III. Interprétation

a) Interpréter les œuvres

La première œuvre représentant l’évènement lui-même constitue un hommage aux Indiens mais les montre déjà dans une position d’infériorité par rapport aux colons.

La seconde peinture exprime le bonheur et la sérénité d’une famille américaine. La paix et l’abondance qui se dégagent du tableau s’opposent aux idéologies du conflit européen (génocide des Juifs, communisme).

 

b) Mise en relation avec d’autres œuvres

Le premier Thanksgiving à Plymouth, Jennie Brownscombe, 1914, Pilgrim Hall Museum, Plymouth, Massachusetts. Ce tableau met plus en valeur l’action de grâce de façon religieuse. L’arrière-plan et les personnages sont très ressemblants au tableau The first Thanksgiving.

 

Conclusion

A travers l’étude de ces deux tableaux d’époques différentes, nous constatons que la composition des tableaux et le message que veulent faire passer les artistes ont changés. La manière de célébrer la fête de Thanksgiving a aussi évolué et sans doute sera-t-elle encore différentes dans quelques années.

 

En savoir plus : http://www.enotes.com/homework-help/what-message-lies-behind-jean-leon-gerome-ferriss-106733

http://www.google.fr/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=1&ved=0ahUKEwj0m6aSz47MAhXK1xQKHRFrB7kQFggcMAA&url=http%3A%2F%2Fpedagogie2.ac-reunion.fr%2Fcol-j.solesse%2FHDAFreedom.pdf&usg=AFQjCNHdOTa08lymkM0MXZv6XQkgWic1_Q&sig2=yYzBac_Tw4oF3B51ClKDXQ

 

 

 

 

 

 

Avatar, une révolution technique

Affiche du film Avatar de James Cameron

 

Problématique:

Comment fonctionne la 3D dans un film, en prenant l’exemple d’Avatar ?

En effet sur les 160 minutes que dure le film, 117 minutes sont de pures créations : le décor, la végétation, les accessoires, les personnages, tout est créé par ordinateur, rien n’a été filmé

1. Présentation du film Avatar

Avatar est un film américain de science-fiction appartenant au genre planet opera, écrit, réalisé et tourné par le réalisateur canadien James Cameron et pouvant être regardé en relief 3D. Il est sorti en Europe le 16 décembre 2009 et en Amérique du Nord le 18 décembre 2009.

La conception du film Avatar débute en 1994 avec l’écriture du script. Le tournage du film devait avoir lieu en 1997 mais Cameron considérait que le technologie nécessaire n’était pas encore disponible. L’écriture reprit donc en 2005, le film fut tourné en 2007 et il sortit en 2009.

2. Le cinéma 3D

Définition:

Le cinéma en relief, cinéma en 3D (trois dimensions), ou cinéma stéréoscopique, permet d’enregistrer la réalité avec ses trois dimensions, qui sont la hauteur, la largeur et la profondeur. Les dispositifs mis en œuvre sont calqués sur le principe de la vision binoculaire naturelle de l’être humain.

Technique:

On film en stéréoscopie c’est à dire que l’on dispose d’une caméra qui film la scène sous deux angles différents. Pour faire simple, il s’agit d’une sorte de double caméra constituée de deux caméras placées côte à côte. Puis grâce aux lunettes 3D, on utilise un procédé qui permet au cerveau de reproduire le principe de la vision binoculaire afin de profiter de la même perception 3D que lorsqu’on regarde un objet réel.

3) La 3D dans Avatar

Le design de Pandora

Une armée d’illustrateurs, de graphistes et de sculpteurs se lance dans la visualisation de l’univers d’Avatar avec l’aide de la 3D, pour aider l’immersion du spectateur dans cet univers fabuleux.

La caméra virtuelle

James Cameron se penche sur les défis techniques, inimaginables : il veut filmer les scènes de Pandora de la même façon que les scènes avec les acteurs réels. Il met au point un système de tournage virtuel dans lequel il aurait les mêmes sensations que sur un vrai plateau. Avec ce système, James Cameron était en mesure d’adapter la prise de vue en fonction de que les acteurs lui offraient, et ceux-ci ajustaient leur jeu en fonction de la présence de la caméra.

Tournage en « motion capture »

Les acteurs portent un justaucorps recouvert de traqueurs. Des logiciels dédiés analysent l’emplacement de ces traqueurs dans chaque image, puis transposent ces données sur le personnage virtuel correspondant à chaque acteur. De la sorte, chaque mouvement du comédien est imité en direct par son avatar virtuel. L’animation est instantanée.

L’animation faciale

L’équipe met au point un système inédit : les acteurs portent un casque sur lequel est fixée une microcaméra braquée sur leur visage. Les mouvements faciaux sont alors analysés par des calculs très élaborés, puis transposés en temps réel sur le visage des avatars virtuels.

Conclusion

Les nouvelles technologies se développent de plus en plus vite aujourd’hui et les tournages des films se transforment grâce notamment aux nouvelles performances et caméras. Avatar en est un exemple.

Nous observons que depuis Le crime était presque parfait, un film américain réalisé en relief par Alfred Hitchcock et sorti en 1954, le cinéma 3D a beaucoup évolué. En effet la qualité des images, le design et la perception de la 3D du film d’Hitchcock sont incomparables à la beauté et le réalisme d’un film aussi incroyable que celui d’Avatar.

 

 

 

En savoir plus:

https://fr.wikipedia.org/wiki/Avatar_(film,_2009)

http://www.rslnmag.fr/post/2010/01/08/Avatar-et-si-on-parlait-un-peu-technique-.aspx

https://franciszgx.wordpress.com

Mes sources image:

http://images.google.fr

 

 

 

 

 

 

 

 

DEVOS, le génie des jeux de mot !

51a91Fbm8SL._SX305_BO1,204,203,200_[1]Dans cet article, je vais vous parler de Raymond DEVOS et de l’un de ses sketches, « Sens dessus dessous ». En première partie, nous allons aborder la vie de cet humoriste de renom, en seconde partie, nous allons voir « Sens dessus dessous » et en troisième et dernière partie, la conclusion.

  • L’artiste

Raymond DEVOS est un humoriste français du XX-XXIème siecles. Il est né le 9 novembre 1922 et est mort le 15 juin 2006. Il a été contraint d’arrêter ses études à l’age de 13 ans car sa famille souffrait de problèmes financiers.

Il a rencontré un grand succès au cours de sa brillante carrière d’humoriste, il est notamment connu pour son utilisation quasi constante de jeux de mots, il était même appelé « Le jongleur de mots » par certain de ses admirateurs. Les jeux de mot sont en quelque sorte sa marque de fabrique, sa signature.

  • Sens Dessus Dessous

Je vais à présent vous parler d’un de ses nombreux sketch, Sens Dessus Dessous.  Il a été joué pour la première fois en 1976, année de la publication du 23ème album d’Asterix et Obélix, de la mort de Mao ou encore de la réunification du Vietnam. Dans ce sketch, Raymond DEVOS aborde un sujet en particulier qui est sa relation avec ses voisins dans son immeuble, il utilise souvent « dessus » ou « dessous », il réutilise ces syllabes pour créer de nouveaux mots pour dire d’autres choses. A cause de l’utilisation de ses jeux de mot, on a du mal, au début, a saisir le sens de tous ce qu’il dit. 

  • Pour finir

Malgré tout ce sketch est plein d’humour et on y reconnait bien là Raymond DEVOS, le génie des jeux de mot !

Vous pouvez évidemment retrouvez les autres sketches de R.DEVOS sur Youtube ou encore Dailymotion !

 

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